Для реализации наших пяти ключевых задач, о которых мы говорили в предыдущей статье «Цели светового дизайна», в световом оформлении спектакля нам необходимо принимать решения о типах приборов, их расположении, цвете и интенсивности в каждом конкретном cue. Свет как материя обладает четырьмя фундаментальными свойствами, которыми мы можем управлять. Именно через их тонкое комбинирование и рождается успешный световой дизайн.

Независимо от того, какое оборудование вы используете — классические прожекторы или современные LED-системы, — все они в той или иной степени позволяют контролировать следующие параметры:

• Интенсивность
• Цвет
• Распределение (фокус)
• Движение (временнóе изменение)

Интенсивность: Сила света

С изменениями интенсивности света мы сталкиваемся ежедневно. Контроль над количеством света на сцене был и остается первоочередной задачей художника по свету. С появлением электричества приборы стали подключать к диммерам и, хотя технологии диммирования с тех пор шагнули далеко вперед, их принцип остается незыблемым. Современные LED-светильники также способны к диммированию, которое управляется электроникой внутри самого прибора.

Нас, как художников, меньше волнует фактическая яркость прибора, чем то, насколько ярким он кажется зрителю. Фактическая яркость, безусловно, важна при подборе оборудования, но в процессе создания света мы выставляем уровни (levels), чтобы добиться желаемого визуального образа и атмосферы.

Как интенсивность помогает достичь наших целей:

• Видимость. Чем больше света на сцене, тем легче разглядеть действие. Изменяя интенсивность света на разных участках, мы направляем внимание аудитории — человеческий глаз естественным образом притягивается к самым ярким зонам. Однако важно соблюдать баланс: переизбыток света может «залить» сцену, лишив нас возможности управлять фокусом внимания. Умение виртуозно балансировать интенсивности — признак мастерства.
• Выявление формы. Задача светодизайнера — не уничтожить тени, а работать с ними. Тени добавляют глубину и объем. При низкой интенсивности тени более выражены. Высокая интенсивность может давать отраженный свет, смягчая тени. Например, два прибора, направленные на актера с разных сторон с разным уровнем, помогают «вылепить» его фигуру, создавая трехмерное изображение.
• Композиция. Вариация интенсивности в разных частях сцены не только управляет вниманием, но и позволяет создавать живописные картины. К примеру, яркий центр, постепенно угасающий к краям сцены.
• Настроение. Как правило, яркое освещение ассоциируется с радостью и комедией (вспомните старую театральную максиму: «Яркий свет для комедии»). И наоборот, темнота создает напряженную, зловещую или меланхоличную атмосферу — недаром детективы часто разворачиваются «темной штормовой ночью».
• Информация. Яркий свет сигнализирует о дне или хорошо освещенном месте. Приглушенный свет указывает на ночь или помещение с малым количеством источников.

Цвет: Окрашивая эмоции

Театр редко бывает монохромным. Цвет — вероятно самый мощный инструмент в руках светодизайнера, который в наибольшей степени отвечает за передачу информации, настроения и композиции. Если видимость определяет, видим ли мы объект, то цвет определяет, как мы его видим. Тщательный подбор цвета может усилить воздействие декораций и костюмов, создать фантастические миры или, напротив, опустошить сцену, лишив ее красок.

До эры LED цвет меняли с помощью светофильтров («гелей»). У каждого производителя была своя палитра насыщенных и пастельных оттенков. Подбор и установка гелей были важнейшей частью процесса. Смена цвета требовала физической замены фильтра в приборе.

Технология LED кардинально упростила этот процесс: теперь палитра стала практически безграничной, а смена цвета происходит мгновенно с помощью светового пульта. Однако фундаментальные законы колористики остались неизменными.

Помимо очевидных решений (теплый свет для дня, холодный для ночи), цвет несет глубокие смыслы и ассоциации, что часто становится мотивом для нашего выбора. Иногда это воздействие более подсознательно: чтобы управлять реакцией зала, мы можем использовать цвета, имеющие психологическое или символическое значение.

Совет: Старайтесь избегать излишне насыщенных цветов в фронтальном свете (за исключением специальных эффектов). Используйте пастельные оттенки спереди, а более насыщенные оставьте для контрового и бокового света.

Как цвет помогает достичь наших целей:

• Видимость. Темные и насыщенные цвета снижают видимость. Кроме того, темные фильтры (гели) «съедают» больше интенсивности для достижения того же уровня освещенности.
• Выявление формы. Добавление цвета в тени придает сцене дополнительную глубину и объем. Два прибора разного цвета, направленные на актера, помогают создать скульптурный, трехмерный образ.
• Композиция. Мы подсознательно тяготеем к гармоничным цветовым сочетаниям. Выбор палитры взаимодополняющих цветов создает эстетически приятную картину.
• Настроение. Атмосфера сцены напрямую диктуется цветом. Теплые тона (янтарь, розовый, желтый, лавандовый) создают радостное настроение. Холодные (синий, зеленый, голубой) — грустное, тревожное или торжественное.
• Информация. Цвет может рассказывать историю, указывать на место и время. Чтобы создать эффект огня в камине, мы выберем теплые оттенки янтарного и желтого.

Распределение: Где и как падает свет

Это свойство объединяет в себе два аспекта: тип выбранного вами светового прибора и то, как он сфокусирован. Иными словами, как свет распределяется по сцене. Вам может потребоваться четко очерченный круг для монолога или ровная заливка (wash) для общей сцены.

В каждом спектакле есть множество «картин» (lighting states), для создания которых используются разные типы приборов. У каждого из них своя задача и свой результат.

Говоря о распределении, мы учитываем три элемента:

1.  Тип прибора (заливающий свет, PAR, френель, профильный прожектор).

2.  Его позиция на планшете сцены.

3.  Направление (фокус) каждого конкретного прибора.

Разные позиции (фронтальный, боковой, контровой, верхний, нижний свет) дают совершенно разный эффект и решают разные задачи.

Движение: Свет во времени

Под движением в светодизайне понимается не физическое перемещение луча (что стало популярно с появлением подвижных голов), а изменение свойств света во времени — то, как мы переходим из одного светового состояния в другое.

Мы решаем, будет ли переход между cue мгновенным (например, актер щелкает выключателем) или постепенным (медленный рассвет). Именно временнáя составляющая создает ритм и драматургию светового решения.

Как движение помогает достичь наших целей:

• Настроение. Быстрые, резкие смены света могут говорить об агрессии, страсти и задавать высокий темп. Медленные, плавные переходы (как при восходе солнца) создают спокойную, лирическую атмосферу. Затемнение может нагнетать чувство тревоги.
• Информация. Медленные изменения часто указывают на течение времени (например, переход от дня к вечеру). Мгновенная смена ожидаема при включении света в комнате.
• Видимость. Слишком частые и резкие изменения могут утомить глаза зрителя и привести к потере концентрации. В медленных затемнениях может возникнуть момент, когда света будет недостаточно для комфортного viewing.
• Композиция. Иногда с помощью движения можно эффектно и драматично открыть зрителю новый объект на сцене.

Овладение этими четырьмя свойствами — интенсивностью, цветом, распределением и движением — и есть суть профессии художника по свету. Это ваш основной инструмент для передачи истории, эмоций и создания магии театрального зрелища. Понимание их взаимосвязи и влияния на зрителя — первый и главный шаг к созданию по-настоящему успешного и выразительного светового дизайна.